一幅畫就是一堂美學
梁奕焚
蕭散樸拙的核心精神
文：朱介英 圖片提供：梁奕焚
傳統美學習慣被當做評估作品優劣的標準，然而這種標準卻都憑著擁有發言權威的評論家所建構出來的條例，時移勢變，每一世代築起的高牆依然會遭到不斷革新的理念挑戰，經過幾番掙扎與護持，終必在歲月不斷腐蝕下褪去往昔的榮光，被歸納、被教條化，登錄在歷史的廢墟中，散放著逐漸衰變的光芒。
傳統美學觀念的建構，大多數來自統計學演譯與歸納法，對作品風格、技巧、表現方式、傳承法則、習慣性素材、地理特性、歷史沿襲等線性邏輯予以量化及質化，合併形而上學、哲學、知識論、價值論評估，訂定修習準則作為詮釋與評價準繩，以至於登錄史冊、歌功頌德的偉大畫家絕大多數來自精英階層，擁有政治、經濟背景，才足以在藝壇呼風喚雨。而許多不願依從主觀的美學之建構提出革命性的作為成功地拗轉世界趨勢，已是晚近的事；史家所尊從的美本體均背負著統治者的主觀意識，背負著威權學霸們的好惡，敲開史冊之門，進入歷史扉頁中佔有一席之地。很多理念被傳統建構起來的論述疊床架屋後，藝術這個門類的價值反而被威權勢力的論述取而代之，而真正的藝術作品本質卻被忽略，造成人們觀看藝術的習慣被次要論述反賓為主地牽著鼻子走。當藝術作品風格變化之際，觀看者卻沒有隨著創作本身前進，而被綑綁在學院的傳統守舊觀點囹圄裡走不出來，那麼所謂「美學」是什麼？名畫家梁奕焚以他作畫近60年的經驗與信念真確地指出：「一幅畫就是一堂美學，畫家在長與寬的兩度平面空間，演繹了美學的六八大形式和兩個法則，表現了獨創形式的個性、地方性、民族性和時代性，藝術是屬於精神和心靈的，不應該受到現實與自然，和陳舊的傳統形式所限制，畫家能從『真我』的個性來創作，是我人生得大幸。」（梁奕焚，2020：自序）這一句話說明台灣美術發展在20世紀歷經一次顛覆性的革命運動，戰後崛起的本土藝術家普遍孕育了作品內涵，本土在地化的認知，揚棄西方以及日本傳過來的現代美術形式表現，追求地方性、民族性與時代性的真實認知，梁奕焚以及當代的幾位畫家陳澄波、李石樵、郭雪湖、廖繼春、李仲生、霍剛、夏陽、常玉、席德進、陳庭詩、曲德義、許深洲、楊茂林、吳天章、陳界仁、侯俊明……等，開啟了時代風格的典範，留下豐富的台灣美術20世紀遺產。
紐約SOHO成熟期
梁奕焚，二戰後期出生於彰化縣芬園鄉，1957年畢業於台北師範學校藝術科，1958年回彰化跟隨現代派畫家李仲生習畫， 6年時間的濡沫，1964年作品參加巴黎聖保羅國際雙年展後，展開他正式創作生涯，1982年與陳庭詩、鍾俊雄、程延平、陳幸婉、黃步青、李錦繡組織「現代眼畫會」，後陸續有詹學富、黃潤色加入，積極推展新風格創作，奠定了台灣畫壇的重要地位。那一陣子梁奕焚與諸位畫家們接受了西方現代畫的革新觀念，脫離日本畫壇所遺留下來的印象派繪畫風格，也許受到李仲生抽象繪畫的啟迪，在抽象派、立體派、野獸派、超現實主義、抽象表現主義、機械派、未來派、達達派等風格中躊躇、徘徊，這也是當時毅然選擇走前衛路線的年輕畫家們的美術背景，西方美術信息透過美國第 7艦隊駐台的媒體開放，許多全新的藝術理念很快在台灣藝壇著床，也打開了當代畫家們的寬大眼界，使得現代畫的發展過程並未在台灣缺席。
1987年梁奕焚年屆50歲，正值畫歷、畫風成熟穩健期，萌生再進一步的突破念想，決心前往現代畫之都紐約SOHO區探索與沉浸一番，於是取得紐約市政府核可的藝術家執照，順利買下451 Broome St.一家畫廊，作為異國創作基地。SOHO區是當代天才藝術家匯集之處，全世界的藝術精英薈萃於斯，所展現的各種藝術先鋒理念，都可以在此見識與吸收，經過漫長的歷練與思考，在國外創新個人的畫風與理念有所頓悟，梁奕焚自剖道：「我在紐約創新個人形式、風格而獲得展出與肯定，並在美國東西兩岸、紐約和洛杉磯多處展出以及獲得與經紀人的合作機會，是我從事藝術工作最成熟的階段，也最具有我個人繪畫風格和符號語言的形式和色彩的時段。」（梁奕焚，2020：自序）換句話說，梁奕焚繪畫歷程中在紐約SOHO區創作與體驗，終於找到他個人的創作終極風格與目標。
梁奕焚從紐約回國後，積極設定了成熟期的創作風格與內涵，展開不懈的創作生涯，至今30年來，終於有所成就，並在台東美術館展出《1991～2021梁奕焚三十年創作回顧展》，這次展覽，極具個人的代表性典範，分為三大主題：「嘿！美人」、「吾土吾民」、「意象萬象」，可以說是梁奕焚畢生畫歷成熟期的作品代表。
綜觀梁奕焚這三個主題的繪畫風格，讓我們從它的「元素」來剖析，探索其所蘊藏的真實內涵，每一種元素可以從風格、造型、創作根基、表現手法等項目予以詮釋，探索其創作內在靈機，便可一目了然畫家的創作「真境」。 
本文選自《生活潮藝文誌》第三十二期，值得對電影、藝文有興趣的年輕人關注，各大網路書店現正販售中。